La música es una religión. Y como todo culto, demanda a sus devotos una cierta cantidad de flagelos para acceder a su gloria. Una hora de retraso en el acceso en un clima de 10 grados de temperatura en una noche de lunes, fueron algunas de las penitencias que padecimos los mas de 3000 asistentes a la primera venida de Faithless a la Ciudad de México.
Afuera del José Cuervo Salón, los filibusteros lucraban con incautos a quienes pretendían cobrar $50 por instalarlos al frente de una fila de varios cientos de metros. "¿Quieres lugar hasta adelante? ¿Para qué te formas ? Checa, está hasta la madre" la consigna del mal mexicano en donde cumplir con las reglas no solo es mal visto, sino hasta reprochado fue solo un suplicio más que hubo que padecer para ver a uno de los actos en vivo más estridentes de Inglaterra.
“Gracias por invitarnos a su espectáculo”, eso dijo Kim Deal al final de su segunda presentación en el Teatro Metropólitan, un comentario inofensivo que revela la euforia provocada por esa banda llamada Pixies, un furor que desde hace años se percibe tan diferente entre el público de todos sus conciertos y el grupo, sólo basta ver los contrastes en su documental LoudQuietLoud para percibirlos.
La noche del miércoles pasado, el Palacio de los Deportes sumó una anédota más a su nutrido cúmulo de recuerdos colectivos. La esperada presentación de la banda canadiense superó las expectativas de las cerca de 10000 personas que abarrotaron el recinto y terminaron corearon cada uno de los 18 temas que un animado Win Butler y su esposa Régine Chassagne cantaron con una emoción sincera y auténtica.
El disco solista de Dolores O'Riordan había amenazado con ser la llamada final para la banda irlandesa. Sin embargo, los años han pasado, y The Cranberries regresaron a darnos una noche llena de éxitos (claro que sí, más que del nuevo disco) y la magia celta de la voz de su lideresa. El concierto inició con "Analyze" de su álbum Wake Up and Smell the Coffee. Y desde ese inicio, O'Riordan entabló conexión con el público: "Sing it! Sing it", quizá demasiado pronto, pues los coros no resonaban tanto. "How" precedió a "Animal Instinct", donde O'Riordan sacó su guitarra acústica por primera vez, para delicia de los presentes, quienes, la verdad, nos rendimos ante ese rolón "que escribió mientras estaba embarazada". Luego, y con permiso de su banda, me gustaría suponer, se echó "Ordinary Day", con dedicatoria para las chicas (buena onda, ¿eh? Que Dolores es hetero). Con las tempraneras "Linger" y "Ode to My Family" el Auditorio rugió, todos transportados por la emoción de las baladas. Y, por si eso fuera poco, la siguiente fue "Just My Imagination", en la que, además, Dolores lanzó una pelota de colores al público: ella, que se veía algo niña, aunque bella, en vestidito tipo shorts y Converse de colores. La pelota se perdió al final de la rola. "Desperate Andy" y "Wanted" fueron bien recibidas, pero no tanto como la dulce "You and Me" y la que le siguió, "I Can't Be With You". De ahí, la música se volvió un poco más oscura, con "Waltzing Back" y la casi-lamento "Electric Blue". Prosiguieron con el canto a la libertad "Free to Decide", antes de aventarse al rock duro de "Salvation", en donde Dolores, ataviada con un penacho, brincó por todo el escenario, tirando plumas que regaló a las primeras filas. Aún así, el penacho aguantó hasta el final de la siguiente, "Ridiculous Thoughts". "Zombie". Diez mil almas en el abarrotado auditorio se pusieron de pie, y sacaron el metalero interno. Increíble o no, había greñas que volaban, headbangeando al ritmo del alarido agónico de Dolores (ah, qué bien queda eso): "In your head... zombie..." Tras semejante rolón, The Cranberries desaparecieron, pero sólo para que Dolores se cambiara y regresara con un vestido de noche, que aún así no civilizó su belleza salvaje. La velada continuó con "Shattered"; la nueva rola "Astral Projection" y "Still Can't..." antes de lanzarse con "Promises", y, claro está, la elegida para cerrar: la obvia, pero adorada "Dreams", que deja claro el amor que los mexicanos le tenemos a esta banda. Muy buen concierto.
Una vez pasado el fervor nacionalista de las fiestas patrias, Resonancia Magazine se dio a la tarea de hacer un análisis objetivo del disco "Bimexicano: Nuestros clásicos hechos rock".
Se trata de un compilado editado por el sello Nacional Records para conmemorar el Bicentenario de la independencia de México y el centenario de la Revolución. El álbum hace una revisión de temas folklóricos y de dominio público reinterpretados por exponentes destacados de la escena iberoamericana de la talla de Jaguares, Bunbury, Aterciopelados, Jumbo, Kinky, Le Baron y Hello Seahorse! entre muchos otros.
Aunque cada agrupación hace un esfuerzo honesto por darle su sello distintivo a cada tema, en muchos casos el matiz con el que reinterpretan canciones exponenciales de la tradición oral mexicana suenan totalmente fuera del lugar. Es el caso de cortes como "Cielo rojo", en donde la interpretación de la banda mexicana Hello Seahorse! -acostumbrada a cargar su sonido en las notas altas de su vocalista- da al traste a un tema que basa su efectividad en el tono y la fuerza emotiva que imprime su interprete y no tanto en las tonalidades vocales que propone el grupo.
Lo mismo ocurre con la desafortunada interpretación de "El Rey" por parte de Le Baron, quienes en su afán de hacer una interpretación alternativa del tema, terminan por despojar al clásico de su emotivad y su ironía aguardientosa, generando un tema depresivo y aletargado
La sucesión de temas sosos y desangelados continúa en "La llorona" de Ely Guerra, "La cigarra" de Natalia Lafourcade y la paradójicamente somnífera versión de Sussie 4 a "Bésame mucho". Por su parte, los esfuerzos de Jumbo para sacar al flote al disco con su acertada versión a "De que manera te olvido", la maestría de Jaguares para reinventar el sentimiento de "La Martiniana" y los animosos esfuerzos de Sr. Flavio al interpretar "El son de la negra" no son suficientes para sacar a flote a un disco concebido con ánimos festivos, pero que debido a la interpretación "alternativa" de sus interpretes, termina por aniquilar cualquier intención lúdica y de celebración.
Veredicto Resonancia Magazine:
Allá usted.
Tracks destacados:
Jumbo - "De que manera te olvido", Sr. Flavio - "El son de la negra"
Tracklist:
1. La Martiniana by Jaguares 2. La Cigarra by Natalia Lafourcade 3. Vámonos by Enrique Bunbury 4. La Llorona by Ely Guerra 5. De Qué ManeraTe Olvido by Jumbo 6. Un Mundo Raro by Aterciopelados 7. Cielo Rojo by Hello Seahorse! 8. El Rey by Le Baron 9. Sombras by Kinky 10. Bésame Mucho by Sussie 4 11. Cucurrucucú Paloma/ Yo camaleón by Jesús Báez ( Zoe) & Ana Karla 12. El Son De La Negra by Sr. Flavio
“Año santo” es el título de la segunda placa de Triángulo de Amor Bizarro, flamante fichaje para la temporada 2010 de Arts & Crafts México y carta de presentación de los gallegos en el mercado mexicano. Se trata de un material que al igual que su predecesor, ofrece una poderosa mezcla entre las espesuras sonoras del shoegaze , la velocidad y timbre del punk y destellos luminosos de indie pop.
“De la monarquía a la criptocracia” abre el disco con una agradable base rítmica sobre la que la dulce voz de la bajista Isabel Cea construye una melodía edulcorada que opera como señuelo para que el escucha abra la caja de Pandora y libere una estampida de riffs y ruidismo en los siguientes tracks. “Amigos del genero humano” o “El radar al servicio de los magos” muestra el instinto de una banda acostumbrada a moverse en el hábitat de la penumbra y la psicodélia más alucinantes. Rituales sonoros como “Baile de los caídos” o la psicotrópica “Año santo”, muestran el potencial de TAB para construir estructuras solidas de noise rock al más puro estilo de Sonic Youth. En contraste, temas como “El culto al cargo, o como llegar al objeto maravilloso” y “La malicia de las especies protegidas” dejan escuchar al trio pisando el acelerador para construir temas flamígeros de alto octanaje energético que seguramente alcanzan su verdadera dimensión en directo.
Sin lugar a dudas, la calidad y consistencia de Triángulo de Amor Bizarro los hace una apuesta segura en la cual centrar nuestras esperanzas respecto al sonido que dominará los próximos años.
Los españoles están de moda. Y no sólo por sus méritos deportivos, sino por la prolífica exportación de bandas emergentes como Dorian, cuarteto catalán que combina la tradición del pop español y de la música electrónica con letras inspiradas en historias cotidianas y tórridos romances que fácilmente conectan con cualquiera.
Dorian obtuvo un gran impulso con su opera prima, pero en 2006 al lanzar su segundo material; El futuro no es de nadie, logró conquistar no solo Barcelona sino todo España, Portugal, y EEUU. Haciendo una gira de dos años de duración esta agrupación convirtió su sencillo “Cualquier otra parte” en todo un himno, permitiéndoles tocar en el festival “South by Southwest” de 2008 en Austin, Texas.
Con todo este preámbulo los barceloneses se encerraron ocho meses en el estudio bajo la batuta de Sidechains (A.K.A. Álex Ferrer) y Dive Dibosso (7 notas 7 colores), tras esta ardua jornada nace La ciudad subterránea, un álbum redondo que sabe mantener la tensión musical y narrativa, y que sin lugar a dudas consolidará a la banda barcelonesa a la cabeza de una generación de bandas que, igual que ellos, han logrado ganarse la vida con la música sin tener que someterse a los criterios del mercado.
Marc Gili, vocalista y el encargado de escribir las canciones, disecciona track por track el más reciente album
1.- Simulacro de emergencia: Una de las canciones más oscuras del disco, tiene un aire siniestro, casi gótico. Habla de dos amigos que crecen juntos y luego toman caminos opuestos, cuando se reencuentran, es más lo que los separa que lo que les une.
2.-Verte amanecer: Canción de amor entre dos personas que aman al margen de la sociedad. Dos balas pérdidas que se tienen el uno al otro. Hay un verso que la resume: “¿Para qué creer en Dios, si él no cree en nosotros?” Con ella se niega y afirma la existencia de Dios a la vez, una paradoja.
3.-Paraisos artificiales: Esta canción habla de perder el control de tu vida. Tremenda aquí la producción de Sidechains; la escuchas en un club y es atronadora, me encanta la mezcla de las guitarras con sintetizadores. La disfrutamos mucho en directo, aunque no veas cuanto nos costó producirla; la idea era que no perdiese la esencia “new wave”, a pesar de la caña.
4.-Estudios de mercado: La escribí en México tras una de las noches más facinantes de mi vida, con unos artistas de allá que me llevaron al tuetano de la ciudad. Está dedicada a un artista mexicano, un tipo duro, casi nihilista, pero con un gran corazón. Vive en la cuerda floja, pero no se arrepiente. Me facina la gente contradictoria con un lado oscuro y otro noble.
5.-La mañana herida: Basada, como todas, en personajes reales; es un dato que queremos destacar. Habla de una chica que no halla su lugar en el mundo, aunque se sabe lo que quiere. A veces en la vida es mejor estrellarte buscando tu propio camino.
6.-La tormenta de arena: Nos encanta. Tiene un constraste de notas menores en las estrofas y acordes mayores en los estribillos; tristeza y explosión de luz. Habla de lo que ocurre cuando las drogas dejan de ser divertidas.
7.-Las malas semillas: Está dedicada a una amiga nuestra, que tiene el don de andar por la vida dando tumbos y haciendo lo que le da en gana siempre, pase lo que pase cero remordimientos.
8.-Veleros: Salió del tirón, en un momento de magía, cuando te conviertes en un cable eléctrico y todo se conecta, letra incluida. Recuerda nuestra vida en Barcelona sin un duro, cuando soñabamos con dedicarnos a esto.
9.-Solar: Estaba en nuestro primer disco, y es una favorita del grupo. Al final de la gira anterior la usabamos para cerrar los conciertos, en una version mas potente. Nos gustó y la incluimos ahora; encajaba con el espiritu del disco. Mucha gente no la conocia y es de lo mejor que hemos hecho.
10.-Domingo perfecto: Mezcla Trip hop, electronica melodica y psicodelia sesentera. Investigamos y salió. Habla de la percepcion de la realidad, de cómo cambia y el mundo se pone patas arriba, de la belleza, la extrañeza y el descontrol.
¿Qué otra banda ha llevado sus discos a la escena? Inmediatamente, uno piensa en The Who, y el hecho de que las comparaciones comiencen a brincar en el cerebro resulta perverso. Además, ¿qué tan punk puede ser Broadway?
Pues... digamos que más punk de lo que uno se imagina. O quizá es que Green Day no lo son tanto. Bien sabemos que con sus últimos dos discos más bien han intentado alcanzar proporciones épicas: "las grandes óperas americanas".
Y quizá son los coritos, pero aquí las canciones de pronto cobran una fuerza impresionante: es como redescubrir a Green Day, con voces de mujeres y de hombres. "American Idiot", obviamente, es la que abre y debe escucharse fuerte, pero es la siguiente, "Jesus of Suburbia", la que alcanza proporciones inimaginables y se vuelve una maravilla. Las canciones siguen igual, sin decaer, hasta que "Last Night on Earth", quizá rolita romántica desde el disco original, se reinventa como diálogo, a voz de chico y chica.
"Before the Lobotomy", tanto la primera vez como en reprise es magnífica, mientras que "Know Your Enemy" se vuelve un extraordinario grito de guerra. Incluso "21 Guns", aunque empieza un tanto blanda (después de todo es un llamado a la paz) acaba volviéndose casi antémica, que es algo en lo que la original falla. Y obviamente se mantiene al mismo nivel hasta el final, porque ¿qué es una obra sin un final espectacular?
El disco acaba con los propios Green Day cantando "When It's Time", cerrando un disco bastante disfrutable. Hasta ganas dan de ir a ver la obra, ¡hasta si no te late mucho Green Day!
Después de una pausa de seis años, en el 2009 uno de los grupos que encabezó el movimiento britpop de la década de los 90s decidió reunirse, No Distance Left to Run es el documental que sigue ese tour de reencuentro que, en un sólo verano, convirtió a Blur en algo más que una banda de éxitos pegajosos.
Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree evidentemente han visto suficientes rockumentales para saber que querían mostrar en No Distance Left To Run, podían verse como Metallica en Some Kind of Monster o hacer la versión britpop de This Is Spinal Tap. Aunque a algunos nos hubiera encantado sumergirnos en la segunda opción por la cantidad de material absurdo que hay alrededor de la historia de Blur, los directores Dylan Southern y Will Lovelace comprendieron perfectamente la idea y decidieron capturar la reunión del grupo desde la perspectiva nostálgica y contar el viaje con cierta franqueza.
La decisión de Blur y los directores fue la acertada, porque a pesar de los momentos de arrogancia que indican que no hay substituto para el talento, la originalidad y el trabajo duro, y que gritan en todo momento "Blur es GRANDE", No Distance Left To Run también te muestra la parte vital detrás de las canciones, los discos y las listas de popularidad.
No Distance Left To Run es, como se explica desde el principio, un filme alrededor de dos historias. La primera es sobre Blur reuniéndose, los ensayos en el estudio después de una larga separación, el autobús que une cada concierto y una exitosa gira de verano, empezando en un museo en Colchester, Essex y terminando con dos presentaciones masivas en Hyde Park en Londres. La otra historia es una biografía detallada por los propios integrantes de la banda, que no sólo nos acercan hasta el día en que Damon Albarn y Graham Coxon se conocieron, también nos llevan al crecimiento mediático de una palabra/movimiento llamado britpop, la batalla en las listas de popularidad entre Blur y Oasis, su crisis “pop” con el disco The Great Escape, la forma en que la tensión fue escalando dentro de la agrupación y la partida de Graham Coxon.
Dylan Southern y Will Lovelace logran transmitir esa idea a través de imágenes en vivo de carácter excepcional combinadas con la historia de la banda y material de archivo que no se salta el tratamiento franco sobre alcohol, drogas, el ego, la fama y el conflicto para mantener esa familia intacta, que en medio de los miedos individuales hace aún más grande la reunión. Cómo dice Alex James: “más que la aprobación o el dinero, necesitaba a mis amigos de regreso”.
Dentro del contexto de la reunión, No Distance Left To Run profundiza en esa idea de que “se acercaron y se alejaron tanto como sólo los hermanos pueden hacerlo”, sólo así comprendemos la relación de Albarn y Coxon, la forma en que se fueron separando en un momento en que “todo lo indie desapareció y el indie se convirtió en música pop”, cómo los clichés vividos les hacen pensar que están en un Behind The Music (según palabras de Graham Coxon) y que llegar al éxito no es como se pensaba, incluso es bizarramente monótono, como lo demuestra la grabación de saludos y Ids de Alex James para una cadena de televisión japonesa.
Es un trabajo sorprendentemente introspectivo, que te libera de los múltiples escenarios de la reunión y te lleva tras bambalinas para mostrarte algunas verdades, las palabras de rencor y resentimiento, los momentos ásperos que todavía les causan un nudo en la garganta y la historia interna que concretó canciones como Tender y No Distance Left To Run.
Pasadas las diez de la noche dio inicio uno de los conciertos más emotivos de este año. Yo sé que apenas estamos en Febrero pero hay muy pocas bandas con el tipo de setlist que entrega Phoenix o capaces de generar ese tipo de respuestas en su público y desafortunadamente, muy pocas bandas de esa talla vienen regularmente a México.
El setlist del 2 de febrero parecía repetirse al abrir con Lisztomania; canción que pondría la vara muy alta en términos de energía para todo el concierto. En ese tenor siguieron canciones como Fences y Run Run Run (la sufrió una “rockerización” junto a otras canciones de Alphabetical). Pero así, enérgicos, Phoenix mostraba una plenitud envidiable. Su baterista, Thomas Hedlund llamaba la atención inmediatamente, parecia querer comerse el mundo en una sola tajada; un baterista poderoso y hambriento de golpear su batería: ¡Impresionante!
No tan impresionante fueron las habilidades de improvisación de los Phoenix pero lo cierto es que compensaron con versiones de Everything Is Everything y Love For Granted con solo voz y Guitarra eléctrica. Una verdadera joya la última, que no habían hecho en mucho tiempo según lo dicho por el propio vocalista Thomas Marrs, quien fue un show aparte al subirse al segundo piso del Salón José Cuervo e interactuar casi tanto como podía con la gente además de sus fieles ejecuciones de cada canción. Para el final del concierto volvió al escenario a través de la gente para terminar de interpretar 1901. Marrs jamás dejó de emocionar al público, haciéndolos participes en cada momento posible y haciéndolos cantar junto a él, quien parecía asombrado de no poder cantar solo en ningún momento.
Fue un concierto de aquellos que pueden dejarnos una amplia sonrisa en el rostro, aun cuando sabemos que hubiéramos querido más porque la banda que estaba enfrente era capaz de darlo.
Por lo general, en estas fechas de fin de año es muy raro que salgan discos a la venta; sin embargo,hace unos días, el pasado 22 de diciembre salio a la venta un gran disco, emblemático de la historia del rock al que The Flaming Lips hace su propia versión: The Dark Side Of The Moon.
El disco ha sido covereado por muchas bandas en casi todos lo géneros musicales existentes, entre los cuales uno de los mas conocidos es el hizo Easy Stars All-Stars hace algunos años, entonces, ¿Que tiene de magnifico un album demasiado choteado?, pues para sorpresa de algunos, incluyendome a mi, The Flaming Lips logro apropiarse de las canciones de Pink Floyd inyectandoles demasiado ácido, sintetizadores lacerantes, coros estridentes que lograron gracias a la participación de Henry Rollins, Peaches y Stardeath and White Dwarf
Suena tanto a The Flaming Lips que por un momento pasa inadvertido que esas canciones tiene mas de 30 años sonando. Simplemente es un gran homenaje, un disco delirante y bonito.
Por el momento solo esta disponible en iTunes, y cuya versión tiene un vídeo extra, todo por un precio razonable; pero los corsarios cibernéticos ya se encargaron de esparcirlo por la red.
Recordados (o condenados) por "Drops of Jupiter", la banda de Pat Monahan regresa con su nuevo material, el cual es amable y candoroso al oído, y es un buen disco para escucharse, pero está algo alejado de ser obra clave del rock-pop. Las tres primeras canciones son muy buenas: desde la pegajosa homónima, pasando por "Hey, Soul Sister" y la que más que sampleo es homenaje directo a "Black Water" de los Doobie Brothers, "I Got You". De ahí, las canciones son más bien promedio, aunque las letras siguen teniendo cierto encanto, como en "If it's Love": "My feet have been on the floor flat like an idle singer/Remember Winger?" Es hasta el final cuando el disco remonta, con la probablemente mejor del disco "Breakfast in Bed" y la infinitamente tierna (díganle cursi) "Marry Me". En fin, que las cosas están bien, pero seguramente no les darán la difusión radial que tuvo su exitazo y tampoco es de lo más sobresaliente. Le recomiendo el disco a quien nunca haya escuchado hablar de la banda y esté buscando una propuesta de pop diferente a la que ponen en el radio; sin embargo, si eres fan de "Drops of Jupiter", quizá no sea tan recomendable que escuches el disco: seguro te la pasarás buscando una sucesora del hit.
"Them Crooked Vultures" Them Crooked Vultures Sony BMG (2009)
Dicen por ahí que el espíritu del Rock & Roll es inmortal, pero que de vez en cuando regresa al plano terrenal para reclamar sangre nueva que haga posible una nueva reencarnación.Tal vez por eso sea tan difícil catalogar a una banda integrada por figurones de la talla de Dave Grohl (Foo Fighters), Josh Homme (Queens of the Stone Age) y John Paul Jones (Led Zeppelin). Se trata de Them Crooked Vultures: un conjunto de tres músicos surgidos en diferentes etapas musicales, pero unidos por la misma vena rockera.
Las canciones de su placa homónima se sustentan en las bases rítmicas del bajo de John Paul Jones, la feroz batería de un Dave Grohl tocando como en sus años con Nirvana y la rasposa voz de Josh Homme dando la nota alta en canciones como “New Fang” y “Reptiles”, que parecen surgidas de un estudio sesentero lleno de viejos amplificadores, consolas antiguas y el órgano Hammond que ejecuta el gran John Paul Jones en cortes como “Scumbag blues” o “Gunman”.Lejos de proponer un concepto musical o buscar un éxito mediático -que de antemano poseen- Them Crooked Vultures se dedican a reinterpretar una vertiente del rock clásico en deshuso.
Matizes de blues, shoegaze y rock sureño pueden escucharse en canciones que hablan de desamores, traiciones y las problemáticas propias de la vida en estos días.El sonido vintage que se deja oir en tracks destacados como "Elephants" y "Bandoliers" deja claro el concepto de la banda y parece sepultar cualquier expectativa en torno a una longeva carrera de Them Crooked Vultures, pues además de las obligaciones obvias de Homme y Grohl en sus respectivas bandas, nos queda claro que los 63 años de edad de John Paul Jones no estan (ni necesitan estar) para los trotes de giras mundiales extenuantes.
No obstante, aún cuando este álbum fuera debut y despedida de Them Crooked Vultures, el trio ha creado un documento sonoro valiosísimo para los jóvenes roqueros que no salen de Green Day y The White Stripes, y cuyos referentes musicales más lejanos suelen ser Metallica y Nirvana.
He leído cierta reseña con respecto a la nueva película del hijo de García Márquez, Rodrigo García. Yo debo decir que la vi sin conocer que se trataba de su hijo y esperando muy poco de “Almas pasajeras” (título traducido que delata toda la película de un modo poco elegante, como se acostumbra en la traducción de títulos de películas). En cierta reseña se acusa a la película de ser un churro; no del todo sin fundamento pero uno no puede guiarse siempre por las apariencias. Y lo cierto es que la película, sin ser una gloria, coloca muy bien sus armas para generar el efecto, el giro. Está logrado aunque sea cine comercial.
Sino la han visto, vayan, véanla, y seguimos platicando si quieren…
Ya que la vieron, se habrán dado cuenta que la trama va de una psicóloga muy recatada, con pocos amigos (y tan guapa como Anne Hathaway…) que se da a la tarea “por sí sola” de tratar a un grupo de “presuntos” pasajeros de un avión que se cayó. Van apareciendo las figuras de los pasajeros y también, y muy significativa, la figura del piloto. Si, ella también era una pasajera. Están todos muertos. Son fantasmas. (Está bien, si lo pongo así puede sonar a churro, pero no es el caso). Lo que pasa es que la película, al andar en terreno turbulento dado que no es tan fácil para todas las audiencias entender y reconocer los guiños del director (o el escritor) que lo lleven a adivinar que la protagonista está muerta, necesita de una secuencia de aclaraciones (común en todos los churros). Pero nótese que en esto nada tiene que ver el guión, puesto que en la película se muestran flashbacks (manota del director y peor aún quizás dela productora) que dejan clarísimo, por si no habíamos entendido, que todos los personajes de la película pertenecen al otro mundo (el de los muertos).
Nada más por no dejar acá pongo unos guiños: los personajes desaparecen de pronto; a todos los personajes los persigue alguien; obvio, la escena del hombre arrollado por el tren que queda ileso; la casa de la hermana de la protagonista está vacía; la epifanía del tipo loco que no recuerda su nombre cuando ve al piloto, entonces se da cuenta de su condición de muerto y para los ojos de la protagonista, los nuestros, desaparece.
De un modo alegre, esta película me hizo tener ganas de morir. De ver a la gente que uno pierde, de todas esas cosas, de saber quién va a venir a recogerte si estás vagando por este mundo sin darte cuenta de nada. Esas cosas pasan pero si ustedes no han visto o sentido un fantasma, no me hagan caso hasta que lo hayan hecho por que no importa cuanto diga yo, jamás van a creerme. Parece que uno ni se da cuenta de su estado fantasmal.
Mucho ya deben saber que a lo largo de ya más de veinte años Saúl Hernández y compañía han hecho de sus conciertos una cita ritual, un momento que se vive intensamente por algunas horas. La noche del sábado la cita abarcó más de tres horas y aunque el público era reducido( tomando en cuenta los estándares de la banda) el Palacio de los Deportes se llenó de una furia melancólica al ver unos jaguares tocando sus éxitos, a veces iracundos y a veces suplicantes ante un público fiel y con excelente memoria. Una larga tela semitransparente cubría el escenario y pasadas las ocho de la noche aparecieron las figuras de Alfonso André, Marco Rentería, Diego Herrera, el Vampiro y Saúl para interpretar un tema “de los raros” y muy queridos: En la habitación de tu mente. Cayó el telón semitransparente y empezaron las canciones de 45 (millones de mexicanos pobres) último disco de la banda; a la par de temas como Detrás de los cerros o Dime Jaguar. El momento conmovedor vino cuando la hija de Saúl hizo coros en Píntame, una canción donde se pudo apreciar a un Saúl ya no como rockstar sino como un hombre de familia que arropaba a su pequeña.
Pronto acabo esa parte del show y vino un interludio donde la banda se desplazó del escenario hacia 5 plataformas colocadas alrededor de la pista del palacio. Ante los gritos desbordados y la emoción a flor de piel Jaguares tocó Imagíname, Quisiera ser alcohol, No me culpes y No importa. Cuando volvieron al escenario, el palacio al fin se sintió cómodo de explotar ante el clásico de Caifanes, Los Dioses Ocultos. Le siguieron otros clásicos como Afuera, No dejes que, Fin, Detrás de ti y Viento, a la par de canciones no tan famosas como Sombras en tiempos perdidos, Piedra y El elefante que fueron coreadas como si se tratara la misma célula que explota. Ya en el segundo encore y ya en la última hora de ese sábado, se anunciaron los acordes del cover que los llevó a la fama en la década de los ochentas. La famosa Negra Tomasa fue ejecutada por casi toda la alineación original de aquellos Caifanes de Mátenme porque me muero. El palacio convertido en salón de baile, gracias al evocador y magnífico teclado de Diego Herrera, se despidió de unos jaguares melancólicos, reaccionarios y al menos por esa noche, tan satisfechos como sus aliados.
Aún no he visto la pelicula, pero tengo muchas ganas de verla (en especial por Zoey Deschanel), y mas con este soundtrack, de cual ya habia escuchado algunas canciones pero en general es un buen disco.
(500) Days Of Summer, o como la nombraron en México, 500 Días Con Ella, es una comedia romantica, con grandes canciones en su soundtrack, muy raro en este tipo de peliculas. Las 16 Canciones que conforman el soundtrack encajan perfectamente una con otra sin ser del mismo artista, entre las cuales estan Please, Please, Please Let Me Get What I Want de The Smiths, There Goes The Fear de Doves, Mushaboom de Feist, la hermosa Us de Regina Spektor, Vagabond de Wolfmother, la gran Sweet Disposition de The Temper Trap, hasta la primera dama francesa, Carla Bruni, se colo con Quequ'un M'a Dit, una canciòn bastante decente, ademas de She & Him quienes realizan un cover a la antes mencionada canción de The Smiths.
La pelicula ha recibido buenas criticas, y mas con este soundtrack. Si ya la vieron, saben a que me refiero, y aun yo que no he tenido el gusto de verla con estas canciones me dan mas ganas.
De los mejores Sountracks del año, junto al de Inglorious Basterds.
La guitarra de Richard Hawley ya no suena a Rockabilly. El optimismo y alegria del Lady's Bridge ha quedado atrás. Su más reciente disco Truelove's Gutter, está compuesto por 8 canciones sumamente emotivas, donde el desamor, la soledad y la melancolía se hacen presente.
Truelove's Gutter es el soundtrack perfecto para quienes les han roto el corazón, la medolia perfecta para esas infinitas noches de insomnio, para aquellos que son frecuentados por los fantamas del pasado.
Ahora en su nuevo trabajo que salió hace algunos meses, Richard Hawley se aleja un poco del sonido de su anterior trabajo, Lady's Brigde, para componer arrgelos orquestales dulce y estremecedores como los de Soldier On o For Your Love Give Some Time, que recuerdan a canciones de Damien Rice o al Beck de Sea Change.
La portada es un claro ejemplo de lo que se puede esperar de Truelove's Gutter: Richard Hawley en medio de la oscuridad, maquinando canciones para los desesperanzados.
Si sufren por su corazón roto o la melancolía los acecha, por supuesto que les encantara; y sino es el caso denle una oportunidad.
Junto con la noticia de que el pasado Viernes Negro montones de tarjetas de crédito alcanzaron el esperado reventón en compras (una ligera esperanza en plástico que vislumbra una salidita de la crisis), fue lanzado el Blakroc Chevy Camaro, un auto que ingenuamente quiero creer es un pretexto para el lanzamiento que inflará el ego de muchos crossovers.
De acuerdo con el comunicado de prensa en la página web oficial del coche, "el Camaro BlakRoc ha sido equipado con elegantes detalles que coinciden con las de la marca BlakRoc", que no sólo promete velocidad con estilo, también trae de la mano (no sabemos quién sigue a quién) un álbum de The Black Keys colaborando con personajes pesados del hip-hop como Mos Def, RZA y Raekwon. Y porque nada dice mejor "este es un proyecto alterno de rap-rock" que un auto deportivo personalizado, ya puedes ir buscando los súper sónicos efectos de sonido incluidos en el elegante puerto USB que dará rienda suelta a la grandiosa colaboración.
Tomando en cuenta todo el revuelo que puede causar la palabra “marca”, el gurú detrás de Roc-a-fella y Blakroc, Damon Dash, no se preocupa mucho por está idea de sinergia entre música y velocidad que atrae compradores, mucho menos le interesa que no termine de gustarte el nombre o que el proyecto aporte algo más a ese maridaje que surgió con Aerosmith y Run DMC, alcanzó un grado supremo con Public Enemy Anthrax y se fue al hoyo cuando P. Diddy creyó que era una buena idea rehacer Kashmir de Led Zeppelin.
Lo que empezó cuando los dos integrantes de The Black Keys se encerraron a hacer música con el deseo de hacer sesiones experimentales y hacer tracks diferentes, se convirtió en 11 pistas instrumentales enfocadas al hip hop que serían cantadas por algunos raperos que conocían. Los primeros en llegar fueron Damon Dash y Jim Jones, quienes concretaron la alineación para el disco, el dreamteam del rap de los últimos 15 años: Mos Def, RZA, Raekwon, Q-Tip, Ludacris, Pharoahe Monch, M.O.P.’s Billy Danze, Jim Jones y el fallecido Ol’ Dirty Bastard, entre otros.
Estuvimos escuchando de ellos desde septiembre, viendolos webisodios de la grabacióny de vez en cuando derrapando virtualmente en el Blakroc Chevy Camaro, pero finalmente tenemos en los oídos ese bastardo musical mutante parido a orillas del Missisipi y del Hudson, que a final de cuentas es una efectiva mezcla entre rimas y riffs, un audaz intento por licuar y drenar dos géneros que en el fondo tienen las mismas raíces.
El primer track lo dice todo, Coochie con Ludacris y Ol’ Dirty Bastard es más hip hop, pero el lado de The Black Keys es el que permite que los elementos sean más salvajes. Dollaz & Sense y Ain’t Nothing Like You (Hoochi Coo) son los que te hacen sentir que ambos géneros se mezclan en igualdad y las letras hacen patente ese esfuerzo: “Rock ‘n’ roll I lose control, fuck the white boys, the Black Keys got soul!” Pero es inutil poner todo en una reseña, cada canción te revienta en otra línea, riff o beat que te hace brincar del asiento y repetir ese álbum tardío de 2009, pero que todavía alcanza a entrar en las listas de favoritos del año.
Este 2009 fue genial para Animal Collective. A principios de año salió Merriweather Post Pavilion, lo que les trajo muy buenas críticas y posicionó al album entre los mejores de este año que está por terminar, además de que ya algunos lo catalogan entre los mejores discos de la década.
Y para finalizar este año, Animal Collective saca Fall Be Kind, donde retoman out takes del Merriwheater Post Pavilion, los pulen y el resultado es este pequeño Ep de 5 canciones que contiene Fall Be Kind. Por ello, no es de extrañarse que suene muy parecido a su anterior trabajo. Tal vez suene como a lados B o como una extesión del Merriwheather; pero sea cual sea el caso, Fall Be Kind es un corto y placentero viaje musical que vale la pena hacer.
Graze, What Would I Want? Sky, Bleeding, On A Highway y Think I can son las canciones que integran este Ep; donde es fácil sumergirse en sus aguas sonoras, dejándose llevar por las melodias.
Si les gustó el Merriwheather Post Pavilion, es una garantía que Fall Be kind les encantará; y si no han tenido el placer de escucharlo, este Ep no los decepcionará; aunque es recomendable conocer ambos trabajos, dignos de figurar entre lo mejor de los ultimos 365 dias.
He aquí una pequeña muestra, para que juzgen ustedes mismos:
Yo conocí al “juguete rabioso” por la banda de rock México-chileno-argentina que apareció a finales de los ochentas. Más de una vez brinqué en rockotitlán con “tu amor mata” y “mercenario”.
Cierto día cuando recién había entrado a la universidad y fui de visita con una amiga a la biblioteca central, me llamó tanto la atención encontrarme con un libro titulado igual que aquella legendaria banda: El Juguete rabioso, que no pude evitar llevarlo conmigo. Se leía en el lomo de piel con letras doradas: por Roberto Artl. Es un libro bastante breve, en un par de horas pude leerlo completo. Las imágenes que pasaron por mi mente durante esa lectura voraz fueron muchas: un Buenos Aires que jamás hubiera imaginado, una reflexión sobre la condición social argentina que hasta ese entonces me parecía tan lejana y a partir de ese momento me pareció tan parecida a la de México, tan personal que no pude evitar ubicar las escenas en la mismas calles de mi ciudad.
Pero sobretodo la historia deSilvio, un adolescente que como yo en ese entonces dejaba de serlo; que sufría de marginación social y abandono; que luchaba por salir de la pobreza; un escenario tan familiar al mio que se repetía constantemente en las páginas de ese libro. No me era desconocido en ese entonces el tema del libro el Guardián del centeno de J.D. Sallinger. Me sorprendió saber que en América latina había quien ya hablaba de esos temas mucho antes que el “avanzado” primer mundo.
Y a pesar de mi posición privilegiada de clase media mexicana en extinción, no me fue necesario pertenecer a la clase baja para identificarme con el buen Silvio Astier, los dos vivíamos en ese mismo sistema, la gran ciudad, esa máquina abrumadora que arrolla implacable a quien no se mueva, a quien no tenga dinamismo, a quien no trabaje, estudie o se supere cuando menos robando. Se puede decir que el juguete rabioso contiene un alto grado de realismo, es un retrato del recorrido de este adolescente por los barrios más marginales de ese viejo Buenos Aires.
Cada uno de los capítulos de esta novela, representa los escalones que hay que subir para pertenecer a la maquinaria del juguete rabioso, primero cuando Silvio descubre que el robo, junto al trío de los caballeros de la media noche, es el mayor deleite y el modo mas fácil de abrir todas las puertas de la aspirada vida citadina. Pero las cosas no tardan en buscar su equilibrio, y pronto el sistema corre a cobrar las facturas, una gran oportunidad de robo con sus secuaces se convierte en un gran peligro que desanima a nuestro protagonista, regresándolo a su antiguo estado, en la protección del ala materna.
Así es como pasa al siguiente nivel, su familia empobrecida y relegada a uno de los peores barrios que presiona a Silvio, quien ya cuenta con 15 años, para que empiece a trabajar para mantenerse. Silvio encuentra trabajo en la librería de Don Gaetano. Se convierte en el gritón oficial listo para atraer a la clientela, y el mil usos en general, haciendo las labores más agotadoras y denigrantes. Sin embargo un hombre de dinero, promete darle una oportunidad que entusiasma a nuestro joven amigo, aunque pronto la ciudad le vuelve a arrebatar la ilusión del dinero fácil, además de darle una dura lección a Silvio sobre las diferentes clases sociales.
El despotismo no es exclusivo del adinerado, tanto el muy rico como el simple comerciante, abusan de su poder con el que se puede y con el que se deja. El sufrimiento aparece como única opción para el que menos tiene, nuestro protagonista se vuelve consciente de esta realidad la cual lo domina.
El juguete rabioso, así tituló Artl al tercer escalón o capitulo donde nuestro joven, ya de 16 años cumplidos, recibe una nueva oportunidad para cumplir sus deseos de riqueza. Esta vez sin buscarlo es bendecido con la oportunidad de entrar a la escuela militar, donde podrá labrar una próspera carrera como mecánico en la fuerza aérea. Ya se sueña, Silvio, a sí mismo como un gran hombre con ropa elegante y distinguida. Medita sobre todas las formas posibles que lo lleven a ese destino tan anhelado. Pero nuevamente cuando se encuentra en pleno confort, Silvio es despojado y una vez más queda desamparado. -Su puesto es en una escuela industrial. Aquí no necesitamos personas inteligentes, sino brutos para el trabajo – le dicen al despedirlo.
Esta última frase sin duda es la que mas nos aporta de todo el texto, pues al ser descalificado Silvio, por su sobre-calificación es que tocamos fondo en el absurdo de la urbanidad, el loco mundo que construimos como una máquina de precisión, que no sabe como incluir lo que no sabe como utilizar. Todo esto lleva a Silvio al borde del suicidio, que por un golpe de azar no logra consumarse.
Es en el último escalafón en el que se reivindica la traición como único medio para pertenecer al sistema. Sólo cuando pruebas que puedes ser un canalla, destruir la vida de otro hombre y seguir caminando tranquilo como nuestro amigo Silvio Astier, es que uno puede integrarse a este oscuro mundo. Silvio se encuentra con uno de sus antiguos compinches, que le revela su próximo golpe, pero Silvio lo delata, sin motivo aparente, convirtiéndose en un engrane más de esa podrida maquinaria y sin obtener mayor beneficio que saberse incluido aunque sea como un canalla y perdedor.
Es así como este libro termina por formarnos una idea única: Somos juguetes en un mecanismo que pulveriza al individuo, alejándolo del colectivo hasta alienarlo totalmente, convirtiéndolo en un hombre pobre y solitario. Ese hombre se prepara a si mismo para vivir derrotado por la rabia y convertirse así, en la rabia misma. Amor que mata. Les dejo esta canción de la banda homónima a este libro El juguete rabioso y su video Tu amor mata.
